Medievalismo español - Mío Cid; Edad de Oro - Lírica / Églogas

Para entender el Poema del Mío Cid hay que situarse en la España medieval, entre los siglos VIII y XIII. En el año 711, los musulmanes invadieron la península ibérica. Desde las montañas de Asturias, los cristianos iniciaron un largo proceso de Reconquista: recuperar territorios para el cristianismo. Esa guerra adquirió un sentido religioso, pues se consideraba una guerra santa.

A partir del siglo XI, la hegemonía cristiana se fue afirmando. El moro Almanzor había dividido prácticamente la península en dos zonas: norte cristiano y sur musulmán. Surgió entonces la idea de la unidad nacional hispánica. Los reinos del norte, especialmente Castilla y Navarra, tomaron la iniciativa militar.

En ese contexto se produce una rivalidad importante para el poema: la existente entre Castilla y León. León representaba la nobleza de linaje, apegada a las tradiciones y a los privilegios de sangre. Castilla aparecía como una sociedad más flexible, en la que un hombre podía ascender por sus méritos guerreros. Esta tensión explica gran parte del conflicto del Cid: un caballero castellano que choca con una corte dominada por nobles leoneses.

La literatura medieval española refleja ese mundo: una sociedad teocéntrica, es decir, con Dios como centro de la explicación del universo; una sociedad feudal y rural; una cultura en la que conviven cristianos, musulmanes y judíos. Las primeras manifestaciones literarias en lengua romance fueron las jarchas mozárabes, breves canciones amorosas. Pero la gran épica castellana llegará con los cantares de gesta.

En la Edad Media española existieron dos grandes "mesteres", es decir, dos oficios o maneras de hacer literatura.

El mester de juglaría es el que corresponde al Poema del Mío Cid. Los juglares recitaban de memoria o con apoyo manuscrito, ante un público que escuchaba más que leía. Por eso el poema tiene fórmulas orales, llamadas al auditorio y una métrica flexible que facilitaba la recitación.

El mester de clerecía, en cambio, es literatura culta, escrita por clérigos que conocían el latín y usaban una métrica culta regular, como la cuaderna vía: estrofas de cuatro versos alejandrinos con rima consonante. No confundir: el Poema del Mío Cid no está en cuaderna vía.

3.1. Autoría, copia y forma

El Poema del Mío Cid es anónimo. Ramón Menéndez Pidal, el más importante estudioso del poema, propuso que pudo ser compuesto por dos juglares: uno de San Esteban de Gormaz (hacia 1110) y otro de Medinaceli (hacia 1140). Esta es una hipótesis erudita, no un dato biográfico seguro.

El manuscrito más antiguo que se conserva fue copiado por Per Abat en 1307. Per Abat no es el autor: es el copista. La obra se suele fechar, de manera aproximada, en torno a mediados del siglo XII, hacia 1140. Por eso los temarios hablan con frecuencia de "c. 1200".

En cuanto a la forma, el poema tiene estas características:

• Género: épico.
• Especie: cantar de gesta.
• Autor: anónimo.
• Extensión: unos 3730 versos.
• Métrica: irregular; los versos oscilan entre las 10 y las 20 sílabas, predominando los de 14; abundan también los de 16.
• Rima: asonante, en series monorrimas de extensión variable.

3.2. El héroe: Ruy Díaz de Vivar

El protagonista histórico fue Rodrigo Díaz de Vivar, conocido como el Cid Campeador.

• Cid deriva del árabe sidi, ‘mi señor’.
• Campeador proviene del latín campidoctor, ‘batallador’ o ‘vencedor’.

El poema convierte a este personaje histórico en un héroe literario, modelo de lealtad, valor, mesura y religiosidad. No es un caballero rebelde ni un simple mercenario: es un vasallo leal que busca recuperar su honra sin atacar a su rey.

3.3. Conflicto inicial: la acusación falsa

El Cid era vasallo del rey Alfonso VI, rey de Castilla y León. Por orden del rey, el Cid había viajado a Sevilla para cobrar los tributos que el rey moro debía pagar a la corona castellana: las llamadas parias.

Los enemigos del Cid en la corte, encabezados por Garci Ordóñez y otros nobles leoneses, lo acusan falsamente de haberse quedado con parte de esos impuestos recaudados. El rey Alfonso VI cree la acusación y lo destierra: le ordena salir del reino en un plazo de nueve días.

Este es el hecho que desencadena todo el poema. Es muy importante retenerlo: la causa del destierro no es un crimen real del Cid, sino una acusación falsa de apropiarse de los tributos.

3.4. Estructura y argumento

El poema se divide en tres cantares, según la división de Menéndez Pidal.

a) Cantar primero: «Cantar del destierro»

Es la parte inicial. El Cid sale de Castilla, llega a Burgos, pero nadie lo aloja: el rey ha prohibido bajo pena grave ayudarlo. Una niña de nueve años le explica que no pueden abrirle las puertas por temor al castigo real.

El Cid no entra por la fuerza. Conserva la lealtad y el honor: prefiere acampar fuera de la ciudad, a las afueras. Esta escena muestra una doble actitud: la ciudad lo rechaza forzadamente, pero él mantiene una distancia cercana y no la culpa, pues entiende que los habitantes obedecen al rey.

Para financiar su campaña, el Cid y su sobrino Martín Antolínez recurren a una argucia: engañan a los judíos Raquel y Vidas dejándoles unas arcas llenas de arena como si contuvieran oro. Con ese dinero, el Cid puede sostenerse.

Luego deja a su esposa Jimena y a sus hijas en el monasterio de San Pedro de Cardeña y sale de Castilla. Inicia una serie de victorias militares: conquista Castejón, Alcocer, y derrota a fuerzas musulmanas. Al final de este primer cantar, envía regalos al rey Alfonso para mostrarle que sigue siendo leal, aunque esté desterrado.

b) Cantar segundo: «Cantar de las bodas de las hijas del Cid»

En esta parte el Cid conquista Valencia y su región tras un prolongado asedio de unos tres años. Valencia se convierte en el centro de su poder. Esta conquista no es un simple triunfo militar: representa el ascenso del Cid por sus hazañas y méritos de guerra, no por favores de la corte.

El Cid continúa enviando regalos al rey. La generosidad y la lealtad del héroe hacen que Alfonso VI lo perdone y levante el destierro. También permite que su familia viaje a Valencia. En la ciudad se produce el emotivo reencuentro del Cid con Jimena y sus hijas.

La fama y riqueza del Cid despiertan la codicia de los infantes de Carrión, nobles de linaje pero de escaso valor. Piden en matrimonio a las hijas del Cid: doña Elvira y doña Sol. Aceptar ese enlace no convence del todo al Cid, pero lo consiente porque el rey lo apadrina. Se celebran las bodas.

Sin embargo, pronto se revela la cobardía de los infantes. Cuando un león se escapa en Valencia, los infantes huyen a esconderse, mientras los hombres del Cid protegen a su señor. Este episodio humilla a los infantes y prepara el conflicto siguiente.

c) Cantar tercero: «Cantar de la afrenta de Corpes»

Los infantes de Carrión, resentidos y humillados, deciden vengarse en sus esposas. Piden permiso para llevarlas a sus tierras de Carrión. En el camino, atraviesan el robledal de Corpes. Allí azotan y abandonan a doña Elvira y doña Sol.

Este ultraje es la segunda gran afrenta que sufre el Cid. La primera fue el destierro, una pérdida pública de honra. La segunda es ahora familiar: sus hijas han sido agraviadas.

El Cid no se venga por su propia mano: pide justicia al rey. Se convocan las Cortes de Toledo. En ellas, el Cid exige la devolución de sus bienes y una reparación pública. Sus capitanes, entre ellos Pedro Bermúdez y Martín Antolínez, vencen en duelo judicial a los infantes de Carrión y a sus aliados.

Finalmente, las hijas del Cid se casan con los infantes de Navarra y Aragón, matrimonios de mayor rango que los anteriores. Con ello, el linaje del Cid se emparenta con la realeza y la honra queda plenamente restaurada.

3.5. Personajes y valores

Los personajes pueden organizarse en torno a dos bloques.

• Bando del Cid: Rodrigo Díaz de Vivar, Jimena, doña Elvira, doña Sol, Alvar Fáñez de Minaya (su brazo derecho), Martín Antolínez, Pedro Bermúdez.
• Opositores: los infantes de Carrión, Garci Ordóñez y otros nobles leoneses.
• Figuras intermedias: el rey Alfonso VI, que castiga al Cid por creer la acusación, pero luego lo perdona y le hace justicia; los judíos Raquel y Vidas.
• Nuevos aliados finales: los infantes de Navarra y Aragón.

El poema opone dos concepciones de la nobleza:

• la nobleza linajuda, basada en el apellido y la sangre, representada por los infantes de Carrión;
• la nobleza de méritos, basada en el esfuerzo, el valor y la lealtad, representada por el Cid.

El Cid encarna los valores de la Castilla del siglo XII: honor, lealtad al rey, fe cristiana, mesura, valentía, amor familiar y espíritu de Reconquista.

3.6. Tema central: la doble pérdida y recuperación de la honra

El tema central del poema puede expresarse así: la pérdida y la recuperación de la honra de Ruy Díaz de Vivar.

Se trata de un doble movimiento:

1. Pérdida pública: el destierro por acusación falsa.
2. Recuperación pública: las conquistas, la conquista de Valencia, el perdón del rey.
3. Pérdida familiar: la afrenta de Corpes contra sus hijas.
4. Recuperación familiar: la justicia en las Cortes de Toledo y las segundas bodas con infantes de Navarra y Aragón.

3.7. Rasgos artísticos e importancia

El Poema del Mío Cid se caracteriza por:

• Realismo: los lugares, los personajes y los hechos tienen un fuerte anclaje geográfico e histórico.
• Sobriedad: no hay elementos fantásticos excesivos ni milagros; el héroe vence por estrategia, valentía y lealtad.
• Epítetos épicos: fórmulas que exaltan al héroe, como «el que en buena hora nació» o «el Campeador».
• Apelaciones al auditorio: propias de la recitación juglaresca.
• Emocionalidad religiosa: la fe cristiana es constante.

Su importancia radica en que es el cantar de gesta más valioso de la literatura española, el primer gran monumento de la épica en castellano y una fuente de la identidad nacional española.

Se denomina Siglo de Oro español al periodo de máximo esplendor de las letras hispánicas, que comprende dos etapas:

• Renacimiento: siglo XVI.
• Barroco: siglo XVII.

No se trata de un siglo cronológico exacto de cien años, sino de un periodo largo. La denominación se debe principalmente a que en él brillaron simultáneamente los tres grandes géneros literarios:

• poesía: Garcilaso, Fray Luis, Góngora, Quevedo;
• teatro: Lope de Vega, Calderón;
• narrativa: la novela picaresca, Cervantes con Don Quijote.

El Siglo de Oro se apoya en hitos históricos y culturales: la unificación política española, la primera gramática castellana de Nebrija en 1492, la influencia del humanismo y la Contrarreforma.

La poesía del Siglo de Oro nace en el Renacimiento con una fuerte influencia italiana, especialmente de Petrarca. De Italia llegan:

• el verso endecasílabo (once sílabas);
• formas estróficas como el soneto, la lira, la silva y el terceto;
• el gusto por la mitología clásica;
• la idealización del amor y de la naturaleza.

La lírica renacentista española presenta estas características:

• temática amorosa o sentimental;
• lenguaje refinado, elegante, musical y artificioso;
• escritura “al itálico modo”, es decir, a la manera italiana;
• uso metafórico de la mitología clásica;
• visión optimista del hombre y del destino;
• exaltación e idealización de la naturaleza.

5.1. Tópicos latinos

La lírica del Siglo de Oro utiliza constantemente los llamados tópicos latinos. Son ideas o motivos heredados de la Antigüedad clásica y repetidos por la tradición literaria.

5.2. Estrofas

• Lira: estrofa de cinco versos que combina tres versos heptasílabos (7 sílabas) y dos endecasílabos (11 sílabas). Es la estrofa usada por Fray Luis de León en su Oda a la vida retirada.
• Silva: combinación libre de endecasílabos y heptasílabos.
• Soneto: composición de catorce versos organizados en dos cuartetos y dos tercetos, típica del petrarquismo.

5.3. Escuelas líricas

Dentro de la lírica del Siglo de Oro se suelen distinguir:

• Primer Renacimiento: la escuela italiana o de Garcilaso de la Vega.
• Segundo Renacimiento: la escuela salmantina de Fray Luis de León y la escuela sevillana de Fernando de Herrera.
• Barroco: el culteranismo de Góngora y el conceptismo de Quevedo.

Garcilaso de la Vega (c. 1501-1536) es el poeta más representativo del primer Renacimiento poético español. Fue soldado y cortesano, y viajó a Italia, donde asimiló la poesía de Petrarca. Se le ha llamado «el Petrarca español».

Su obra poética es breve pero decisiva. Está compuesta por sonetos, canciones, elegías y églogas. Introdujo en España la sensibilidad renacentista, el endecasílabo italiano y la idealización pastoril.

6.1. La égloga como género

La égloga es una composición poética pastoril de temática amorosa. Sus personajes son pastores idealizados que viven en una naturaleza armónica y expresan sus penas amorosas. Esa naturaleza suele ser un locus amoenus.

6.2. Estructura y personajes de la Égloga I

La Égloga I es la más célebre de Garcilaso. Está protagonizada por dos pastores:

• Salicio: llora el desdén de su amada Galatea; su dolor es el del amor no correspondido.
• Nemoroso: llora la muerte de su amada Elisa; su dolor es el de la pérdida definitiva.

La égloga se abre con una dedicatoria y luego presenta el canto alternado de los dos pastores. Ambos expresan un mismo tema central: el sufrimiento amoroso. La diferencia está en la causa: en Salicio, la indiferencia; en Nemoroso, la muerte.

Uno de los fragmentos más famosos es el lamento de Salicio:

«¡Oh más dura que mármol a mis quejas, / y al encendido fuego en que me quemo / más helada que nieve, Galatea!»

Aquí se observa la actitud de Galatea: es insensible al amor de Salicio. Las imágenes «más dura que mármol» y «más helada que nieve» expresan, mediante hipérboles y antítesis, que el sentimiento amoroso de Salicio no es correspondido.

La Égloga I también contiene un célebre pasaje en el que se compara el llanto del pastor con el del ruiseñor:

«Cual suele el ruiseñor con triste canto / quejarse, entre las hojas escondido, / del duro labrador que cautamente / le despojó su caro y dulce nido…»

El ruiseñor llora la pérdida de sus crías, el nido despojado. La comparación refuerza el tema del lamento ante la pérdida de lo amado.

6.3. Temas y estilo

Temas principales de la Égloga I:

• el sufrimiento amoroso;
• el desdén (Salicio-Galatea);
• la muerte de la amada (Nemoroso-Elisa);
• la naturaleza idealizada como testigo y consuelo;
• el amor como experiencia dolorosa.

Estilo:

• lenguaje musical y cromático;
• abundancia de figuras literarias: hipérbole, hipérbaton, epíteto, antítesis, símil, metáfora;
• referencias mitológicas;
• ambientes y pastores idealizados;
• uso de versos endecasílabos y heptasílabos en estancias.

Fray Luis de León (1527-1591) pertenece a la Escuela Salmantina. Fue fraile agustino, catedrático y traductor. Sufrió prisión por la Inquisición porque defendió la superioridad del texto hebreo de la Biblia y tradujo al castellano el Cantar de los Cantares.

Su poesía busca la serenidad, la contención y el equilibrio clásico. Se le ha llamado «el Horacio español» por su admiración e imitación de Horacio.

7.1. Oda a la vida retirada

Esta es su obra poética más conocida. Es una oda, es decir, una composición lírica de tono elevado, escrita en liras.

• Género: lírico.
• Especie: oda.
• Número de liras: 17.
• Tema central: beatus ille: la vida apacible y espiritual en el campo, frente al ruido y la ambición del mundo.
• Temas secundarios: la naturaleza, la codicia, la soberbia, la sabiduría.

El poema comienza así:

«¡Qué descansada vida / la del que huye del mundanal ruido / y sigue la escondida / senda por donde han ido / los pocos sabios que en el mundo han sido!»

Aquí se opone el mundanal ruido (la ciudad, las ambiciones, la fama) a la escondida senda (la vida retirada, la paz del campo, la sabiduría).

Fray Luis no rechaza el mundo por amargura, sino porque valora la serenidad espiritual y la armonía con la naturaleza. Su poesía expresa una religiosidad profunda y una gran sobriedad formal.

En el Barroco, la lírica del Siglo de Oro alcanza una gran complejidad. Se suelen distinguir dos estilos:

• Culteranismo, representado por Luis de Góngora y Argote.
• Conceptismo, representado por Francisco de Quevedo.

El culteranismo busca la belleza sensorial mediante:

• abundancia de figuras literarias;
• lenguaje muy artificioso;
• cultismos;
• referencias mitológicas;
• metáforas elaboradas y sintaxis compleja.

El conceptismo, en cambio, se basa en la agudeza conceptual: juegos de palabras, dobles sentidos, paradojas e ingenio. Quevedo es su mayor representante.